Mylène Michaud (tricots en jacquard) à la Maison des artistes visuels
Programmation virtuelle des membres de l’AGAVF
Maison des artistes visuels francophones (Saint-Boniface)
Mylène Michaud – Exposition 1:1
du 26 mars au 30 mai 2020
www.maisondesartistes.mb.ca
Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen (Moncton)
Savannah Beaupré et Kimberley Vallillee – Jamais une sans l’autre
Exposition des finissantes du Département des arts visuels
Exposition virtuelle
Entrevue vidéo avec les artistes en résidence: Michèle Bouchard, Xavier Gould et Samuel Landry, et Marika Drolet-Ferguson
www.umoncton.ca/umcm-ga
Centre culturel franco-manitobain (Winnipeg)
Pauline Boutal – Carrefour/Crossroads web exposition
www.ccfm.mb.ca
Le Labo (Toronto)
Visio-conférence Marketing, Film et Video à l’ère du numérique avec Jacquelyn Hébert
le mercredi 27 mai 2020
Collaboration: VUCAVU et Front des réalisateurs indépendants du Canada
Être une femme artiste en 2020. «Le jeu des 2 questions»
avec Lise Beaudry, Maria Legault, Martine Côté et Quitterie Hervouet
Chroniques de Quarantaine avec Jean-Christophe Foolchand
www.lelabo.ca
Galerie du Nouvel-Ontario (Sudbury)
Derrière les portes avec Laurent Vaillancourt
Mardi 19 mai de 16h à 16h30
Facebook
Claude Wittmann – Roues/politique/panique
Exposition de février à mai 2020
www.gn-o.org
Galerie Sans Nom (Moncton)
Re:flux 14.5 Maryse Arseneault, Tanya Daigle, David Gregory, Mike Trask, Adrian Kleinlosen, Diogo Lopes et Les Partitions Invisibles du 18 au 24 mai 2020
www.festivalreflux.com
Sarah Thibault – L’intimité spectacle
Emily Phillips – Abstracted Landscapes
Mathieu Léger – Une structure, découverte par la coupe (série 02020)/A Structure Revealed by the Cut (Series 02020)
visites virtuelles
www.galeriesansnom.org
Constellation bleue-Galerie Bernard-Jean (Caraquet)
de Tara Francis, Indigo Poirier et Nicole Haché
www.constellationbleue.com
COVID-19
Les galeries et centres d’artistes ferment leurs portes jusqu’à nouvel ordre, en respect des consignes des gouvernements provinciaux au Canada, afin d’éviter la propagation du Covid-19/coronavirus. Plus de détails.
La Liste
L’Association des groupes en arts visuels francophones (AGAVF) présente les événements de ses membres, soit quinze centres d’artistes et galeries à travers le pays, et compile les appels de dossiers en arts visuels, arts médiatiques, performance, art public qui s’adressent aux artistes et aux commissaires.
Appels de dossiers
1. appels en français du Canada
Connexion création – Conseil des arts du Canada – 15 juin
Revue acadienne de création littéraire Ancrages – appels à textes et arts visuels – 21 mai
Materia – Québec – 3 juin
Inter art actuel – Appel aux selfies performatifs – Québec – 15 mai
Inter art actuel – Pouvez-vous parler sans larynx? – Québec – 15 mai
Momenta, biennale de l’image – Montréal – 24 mai
galerie ELEKTRA – Montréal – 1er juin
2. appels en anglais du Canada
Emerging Digital Artists Award – 15 juin
The New Gallery – Calgary – 19 juin
Trinity Square Video and Dames Making Games – Toronto – 31 mai
Carnation Zine – 15 mai
Life as we know it – 30 mai
Video Out – 8 septembre
Burtynsky Grant – 20 mai
AKA Artist-run Centre – Saskatoon – en cours
Southern Alberta Art Gallery – Lethbridge – en cours
3. appels internationaux
Eyebeam – Rapid Response for a Better Digital Future – 30 mai
Sortie de rout(in)e – Vidéoformes – 15 juillet
Art Jarmeel Commissions – Digital – 10 juin
Indeterminacy – NEoN Digital Arts Festival -20 mai
Rapid Response for a Better Digital Future – 21 mai
Les Instants Vidéo – Marseille – 5 juin
4. résidences
3e Impérial – Granby – 1er juillet
Intergenerational LGBT Artist Residency – Toronto – 1er juin
Embassy of Foreign Artists – Suisse – 1er juin
Atelier d’estampe Imago – Moncton – 1er juin
Cité internationale universitaire de Paris – sans date limite
5. art public
Sherbourne Water’s Edge Public Art – Toronto – 20 mai
6. pour commissaires
Subtle Technologies – Emerging Curator Incubator Program – 25 mai
Appel de texte – La Chambre Blancue – Québec – 31 mai
Call for Artistic Director – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – 24 mai
Vie des arts – appel à textes – 28 juin
Cosmic Bulletin – 1er juin
Inter, art actuel – Afrique – 1er juin
Résidence de recherche – Chambre blanche
Esse art + opinion – 1er septembre
1. appels en français du Canada
Connexion création
Présentez une demande dès maintenant!
Date limite : à tout moment jusqu’au
15 juin 2020 ou jusqu’à ce que le budget soit épuisé
Cherchez-vous une manière d’adapter vos œuvres ou d’en créer de nouvelles pour rejoindre le public en ligne en raison de la COVID-19? Le Conseil des arts du Canada et CBC/Radio-Canada ont lancé une nouvelle initiative pour vous aider. C’est peut-être le petit coup de pouce qui vous manque pour orienter votre travail vers la diffusion numérique.
Pour un temps limité, Connexion création offre des microsubventions de 5 000 $ pour l’innovation aux artistes qui souhaitent se tourner vers le numérique. Outre ces montants, certains candidats retenus auront la chance d’être mis à l’honneur dans une présentation spéciale de CBC/Radio-Canada.
Un soutien aux nouveaux artistes et aux artistes en début de carrière
La Fondation RBC a offert une généreuse contribution de 150 000 $ pour soutenir les artistes en début de carrière/nouvelle carrière qui souhaitent présenter une demande à l’initiative Connexion création. Cela nous aide à rejoindre la prochaine génération d’artistes au Canada et bonifie notre soutien à l’avenir du secteur artistique.
Qui peut présenter une demande?
L’initiative Connexion création s’adresse :
aux artistes, commissaires et écrivains
aux artistes en début de carrière/nouvelle carrière
aux groupes et collectifs artistiques
aux organismes artistiques
Il suffit d’avoir un profil approuvé dans le portail des demandes de subventions du Conseil des arts du Canada – assurez-vous donc d’en créer un dès que possible, si ce n’est pas déjà fait.
Quels types de projets seront financés?
Cette subvention sert à développer, créer et partager des œuvres, nouvelles ou adaptées, en vue d’une diffusion numérique au public canadien durant la pandémie de la COVID-19. Ces microsubventions de 5 000 $ pour l’innovation vous aideront à vous mettre au travail rapidement pour adapter vos œuvres existantes ou pour en créer de nouvelles afin de les partager en ligne.
Comment présenter une demande : soumettez votre demande sur le portail.
Lignes directrices et formulaires : tous les détails sont ici.
Pour toute question, veuillez écrire à : connexioncreation [arobas] conseildesarts [point] ca
À la recherche d’autres possibilités offertes par le numérique? Parcourez notre fonds Stratégie numérique.
Merci de diffuser cette nouvelle dans vos réseaux!
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Revue acadienne de création littéraire Ancrages – appels à textes et arts visuels – 21 mai
Voici les appels à textes en cours. Prière de consulter le protocole de soumission. http://ancrages.ca/appel-a-textes/
Artistes visuel: La revue reçoit vos portfolios électroniques. Veuillez envoyer un lien vers votre site web.
No 24. ((libre))
Comme nous vivons tous et toutes une situation semblable depuis déjà plusieurs semaines, nous proposons un numéro meublé de textes écrits en confinement. Ce confinement synonyme de solitudes pour certains, de marmaille énergique pour d’autres, d’isolement et sans doute d’angoisses pour nous tous et toutes, comment s’écrira-t-elle?
Date limite pour soumettre un (ou plusieurs) textes : le 21 mai 2020. Précisez le titre du numéro dans l’objet du courriel.
No 25. Sagouine Park
Ce numéro spécial de «science-fiction folklorique» propose une application composite (ou mash-up) de deux univers littéraires disparates: Jurassic Park de Michael Crichton et La Sagouine d’Antonine Maillet (et, par extension, le Pays de la Sagouine). Dans cet univers parallèle, un industrialiste crée un parc à thème appelé «Sagouine Park» qu’il peuple ensuite avec des sagouines clonées à partir d’ADN recueillis dans des sabots usés au Musée Acadien. Évidemment, le fonctionnement du parc se déglingue assez rapidement et les touristes se font pourchasser par des sagouines géantes hurlant « Venez nous ouère ! ».
Les collaborateurs sont libres de rédiger un texte qui raconte le «carnage» de Sagouine Park ou ils peuvent se servir de la thématique du mash-up entre la science-fiction et le folklore pour imaginer leur propre combinaison.
Date limite pour soumettre un ou plusieurs textes : le 11 septembre 2020. Précisez le titre du numéro dans l’objet du courriel.
No 26. Rencontre Est-Ouest
COLLABORATION avec la revue À ciel ouvert – Fin janvier 2021
Les revues de création littéraire À ciel ouvert (Prairies) et Ancrages (Acadie) unissent leurs efforts et procèdent à la préparation d’un numéro conjoint qui présentera des auteurs francophones des Prairie et de l’Acadie. La sortie de ce numéro spécial est attendue pour la fin janvier 2021. Le numéro proposera de nouvelles créations littéraires sous toutes ses formes.
Date limite pour soumettre un ou plusieurs textes : 6 novembre 2020. Précisez le titre du numéro dans l’objet du courriel.
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Vitrines de la relève / MATERIA
3 juin 2020
/ Québec (Québec)
Appel de dossiers/ Vitrines de la relève
Date limite : 3 juin 2020
MATERIA est le seul centre d’artiste autogéré au Canada qui a pour mission de diffuser et de promouvoir la recherche et la création des artistes d’exception du domaine des métiers d’art actuels, qu’ils soient établis ou de la relève.
MATERIA est à la recherche d’œuvres d’artistes et d’artisans pour une exposition en vitrines à l’été 2020. Cet appel de dossiers s’adresse aux artistes/artisans de la relève en métiers d’art qui ont entre 3 et 10 ans de pratique en métiers d’art. Les œuvres seront sélectionnées selon les critères suivants : maîtrise technique, innovation et originalité des œuvres, pertinence du projet et qualité du dossier présenté.
Contenu du dossier à présenter : Artiste/Artisan
Démarche artistique (max. 250 mots)
5 à 10 photographies récentes de bonne qualité : présenter une image par page et inclure une description en bas de page (titre, date, matériaux, dimensions, crédit photo)
Nombre d’œuvres proposées
Présentation suggérée pour la mise en espace dans la vitrine (socle, présentoir, structure…)
Curriculum vitae récent
Tout autre document pertinent (ex. : esquisses, revue de presse)
Informations générales
Réunir tous les documents en un seul fichier pdf, dans l’ordre indiqué ci-dessus. Les artistes qui seront sélectionnés pour exposer à Materia devront être membres. Le coût de l’adhésion est de 20 $. Materia paie des droits de diffusion et honoraires selon les taux recommandés par CARFAC. Les dimensions des 2 vitrines sont : 46 po. de profond x 186 po. de long x 96 po. de haut. (voir image sur le site internet : centremateria.com dans l’onglet : appel de dossiers, plan d’espace des vitrines) Le comité de programmation se réserve le droit de jumeler des artistes s’il le juge adéquat.
Faire parvenir votre proposition par courriel au plus tard le 3 juin 2020 à : direction [arobas] centremateria [point] com. Vous recevrez un courriel confirmant la réception de votre dossier. Les demandes incomplètes ou celles déposées après la date limite d’inscription ne seront pas considérées.
MATERIA, centre de diffusion en métiers d’arts
395 Charest Est,
Québec (Québec)
+1 418 524-0354
http://centremateria.com/
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Appel aux selfies performatifs
S’exposer pour (re)construire
Confirmer votre participation
« Seuls, nous ne pourrions que nous isoler du monde ; réunis, nous allons pouvoir le transformer. » – Eric-Emmanuel Schmitt
Nous voici donc isolé.e.s dans nos cellules de confinement, livré.e.s à nos corps et à ses caprices. La pratique du selfie apparaît centrale dans l’expérience collective que nous faisons présentement: elle propose un travail de connexion entre soi, le vécu, sa représentation et, par ses modes de diffusion, le monde social lui-même. À la manière de l’autofiction, elle est une mise-en-récit de soi qui donne à voir le geste de captation et constitue, en outre, une façon d’extraire des particules d’intimité pour les intégrer au récit collectif.
En somme, une façon de se raconter les un.e.s aux autres.
Tout ça, ça intéresse beaucoup l’équipe de la revue Inter! En vue d’une publication ultérieure, nous vous proposons d’intégrer l’idée de performance à vos selfies quotidiens et à les faire parvenir à la rédaction de la revue à redaction [arobas] inter-lelieu [point] org. Les possibilités sont infinies – nous vous invitons à rivaliser d’audace et d’effronterie! Les propositions seront évaluées en fonction de la justesse de leur démarche et de leur originalité, et celles qui seront choisies seront bien sûr rémunérées selon les normes en vigueur. À remporter également: un abonnement de cinq ans à la revue Inter en format numérique.
Date limite: 15 mai
Appel de mises en lecture
Pouvez-vous parler sans larynx?
La voix, jeu d’un organe brillant et ses actions les plus curieuses. Dans ses qualités, sa portée, son étendue et ses mutations probables, la voix est attachée à la faculté du récit, de la poésie, du discours. Le temps d’une inflexion, la voix se fait soudain fait parole.
L’équipe d’Inter souhaite mettre à contribution vos modulations vocales. Les personnes intéressées à participer devront nous faire parvenir un enregistrement de 30 secondes d’un texte de leur choix. Les participant.e.s choisi.e.s mettront ensuite leur voix au service d’un texte de la revue Inter dans une courte vidéo de cinq minutes et recevront pour ce faire des droits de 100$.
Nous vous encourageons à expérimenter avec la lecture et la voix, à déborder, à faire votre lecture dans un contexte incongru, à en mettre partout. Donnez-vous en à cœur joie!
Date limite: 15 mai 2020
Soumettez-nous vos enregistrements via Messenger!
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MOMENTA | Biennale de l’image lance son appel de dossiers d’artistes du Canada en vue de sa prochaine édition, qui se déroulera en septembre et en octobre 2021. Sous le thème Quand la nature ressent, proposé par la commissaire Stefanie Hessler, la 17e édition de la biennale présentera le travail d’une trentaine d’artistes provenant d’ici et d’ailleurs à travers plusieurs expositions.
Thème
L’édition 2021 de MOMENTA | Biennale de l’image, intitulée Quand la nature ressent, est portée par la volonté de troubler la séparation entre la nature et sa représentation. Les expositions présenteront des œuvres d’artistes qui engagent des stratégies de décolonisation et examinent les écologies queers afin de réimaginer les politiques environnementales et la notion de naturel. MOMENTA 2021 s’emploiera à décentrer l’humain occidental en tant que producteur de savoirs sur le monde naturel – créateur souvent à l’avant-plan – pour faire place à des perspectives qui émergent de la frontière floue entre culture et nature, qui intègrent des formes différentes de connaissances, à la fois humaines et non humaines. Audacieuses et porteuses d’espoir, ces histoires « autres » révèlent un changement de perception dirigé vers la réponse des systèmes planétaires en tant que narrateurs de leur propre logique. En se tournant vers les énonciations propres à la nature, la biennale explorera de nouvelles sensibilités bienveillantes.
MOMENTA Biennale de l’image
Directives de soumission
Seules les propositions liées au thème Quand la nature ressent seront examinées. Nous vous prions de ne pas envoyer de propositions de commissariat d’exposition. Cet appel de dossiers ne concerne que les personnes ayant la citoyenneté canadienne ou la résidence permanente.
Œuvres recherchées
Nous sommes à la recherche d’œuvres d’artistes du Canada qui explorent l’idée selon laquelle la nature se représente elle-même et/ou les relations variées entre les êtres humains et la nature et qui en démontrent la complexité. Nous souhaitons approfondir, dans les différentes expositions, une multiplicité de perspectives pouvant inclure mais n’étant pas limitées à ces types de perspectives : la crise environnementale, la décolonisation, les écologies queers, l’écoféminisme, la science-fiction, les cosmologies non-occidentales, les pratiques de l’attention (care).
Nous nous intéressons à des œuvres investissant les territoires photographiques et vidéographiques, qui peuvent prendre diverses formes dont certaines plus installatives, matérielles ou expérientielles. Nous privilégierons les œuvres qui sont nouvellement produites ou qui n’ont pas été exposées au Québec et/ou à Montréal.
Envoi des dossiers
Faites parvenir vos dossiers (en français ou en anglais) par courriel, au plus tard le 24 mai à 23h59, à : soumission2021 [arobas] momentabiennale [point] com
Les dossiers devront comprendre :
1. Une brève présentation expliquant de quelle manière votre projet est lié au thème (maximum 250 mots) en format Word ou PDF.
2. Une section « démarche » (maximum 100 mots) en format Word ou PDF.
3. Des éléments visuels pouvant inclure :
– un maximum de 10 images (500 ko par image) en format JPEG (72 dpi, couleurs RGB) ou PDF. Les images doivent être identifiées et accompagnées d’une liste descriptive précise (titre, année, médium, dimensions) ;
– un lien vers votre page Web ou un autre site Web présentant vos œuvres (si disponible). N’envoyez aucune vidéo par courriel. Veuillez nous fournir un lien afin de permettre un visionnement en ligne.
4. Un curriculum vitae (maximum 3 pages) en format Word ou PDF.
5. Vos coordonnées (prénom et nom, adresse postale, téléphone, courriel, site Web, pays de naissance et pays de résidence). Si vous désirez soumettre un projet collectif, nous vous demandons de désigner un ou une responsable parmi les participants et participantes.
À noter
Tous les dossiers conformes aux instructions décrites dans le présent document et reçus avant la date limite seront attentivement examinés par la commissaire et MOMENTA. Étant donné le grand nombre de candidatures reçues, MOMENTA communiquera uniquement avec les candidats et les candidates dont le dossier est retenu.
Vous devez envoyer vos dossiers par courriel seulement. Tout autre document non sollicité envoyé à nos bureaux ne sera ni examiné ni retourné. MOMENTA et Stefanie Hessler ne peuvent être tenues responsables des documents non reçus, perdus ou illisibles. Les dossiers en retard ou incomplets et les œuvres qui ne sont pas reliées au thème de la biennale ne seront pas pris en considération.
Pour de plus amples renseignements, veuillez contacter : soumission2021 [arobas] momentabiennale [point] com
Télécharger les directives de soumission
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Depuis son ouverture en 2019, la galerie ELEKTRA accueille régulièrement des expositions. Située au cœur du Mile-End, ce nouveau pôle soutient la communauté artistique et favorise la découverte de talents en mettant l’accent sur l’originalité et en embrassant l’esthétique contemporaine dans la recherche et l’expérimentation. Nous lançons un appel à projets pour les artistes d’art contemporain numérique souhaitant exposer des œuvres entre septembre 2020 et juin 2021.
Les projets sélectionnés feront partie de la programmation officielle de la galerie.
Pour soumettre un projet, envoyez les éléments suivants à zhamila [arobas] elektramontreal [point] ca :
– Le.s curriculum vitae.s d’artiste.s
– Une description du projet et de la démarche artistique (maximum 2000 mots)
– Une fiche technique de l’œuvre proposée
– Maximum 10 images et/ou vidéos du projet en cours ou achevé
La galerie offre une aide technique professionnelle pour les montages et dispose d’équipements limités, mais de haute qualité. Veuillez noter que les œuvres avec un contenu sonore ne pourront être diffusées qu’avec des écouteurs.
ELEKTRA verse également des droits d’exposition aux artistes sélectionné.es.
La Galerie ELEKTRA est située au Pôle de Gaspé au 5445 avenue de Gaspé #104, Montréal, QC, H2T 3B2
La date limite de réception des projets est le 1 juin 2020.
ELEKTRA tient fermement aux valeurs de diversité et d’accessibilité dans les pratiques qu’elle présente et soutient. Nous encourageons les candidatures de toutes les personnes qualifiées, y compris les personnes handicapées, les minorités visibles, les peuples autochtones, les personnes de toutes orientations sexuelles et identités de genre ainsi que d’autres personnes qui peuvent contribuer à la diversification de l’art numérique contemporain.
2. appels en anglais du Canada
The Emerging Digital Artists Award (EDAA), Canadas major award for
critical experimentation in digital media, is pleased to announce that its
2020 call for
applications is now open.
The EDAA, which is co-presented by EQ Bank and Trinity Square
Video, was established in 2015 to celebrate early career, screen-based
artists working actively and creatively with digital media. Artists within
the first five years of their professional careers are encouraged to
apply. The EDAA welcomes submissions of screen-based works that
are not only created with digital technologies, but also speak to the
concerns, ethics, and constructs of digital space.
The grand prize winner of the EDAA will receive $5,000 and four
finalists will each receive $1,000. All five artists works will be included
in a group exhibition at Trinity Square Video in September 2020,
among other perks.
Applications will be accepted until 11:59 pm on June 15, 2020. Visit
edaa.eqbank.ca for full details.
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2022 Main Space Programming
The New Gallery, Calgary
Deadline: June 19
Artists are invited to submit proposals for solo and group exhibitions, and curatorial projects for Main Space programming beginning in 2022. Proposals for other types of artistic programming will also be considered.
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2020 Themed Commission: Remote Realities
Trinity Square Video and Dames Making Games, Toronto
Deadline: May 31
Seeking proposals from artists and creative practitioners for the annual Themed Commission program. This year’s theme will focus on how one plays in isolation; how isolation shapes our preferences in play and what reactions to games are being cultivated in this current reality.
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Carnation – Vol 2 (Pleasure) Call for Submissions
Carnation is a submission-based zine that publishes art and writing created through a lens of diaspora and displacement by BIPOC (Black, Indigenous, and people of colour).
Carnation’s theme for Volume 2 is Pleasure.
This theme is rooted in the desire to foster healing, nourishment, resilience, and solidarity for diasporic and displaced people, and awareness and connection for those who witness us. How do we cultivate pleasure in these times despite and in spite of political turmoil? How can we recenter pleasure in the discourse of diaspora and displacement and in our lives in order to complicate the narrative of loss and longing associated with these lived experiences?
We are accepting submissions related to (but not limited to) the following topics on pleasure: Relationships, intimacies, connection, liberation, freedom, healing, ritual, play, embodiment, relationality, sex, erotic power, kink, consent, organizing, activism, feminist killjoy, accessibility, care, love, food, nourishment, abundance, indulgence, leisure, recreation, culture, cultural production, diasporic romanticism, space, place, land, home.
Selected contributors will be paid $200CAD and will get a free copy of the publication. We thank our funder Canada Council for the Arts for making this possible.
Submission deadline: May 15th, 2020, 11:59pm.
For details, visit https://carnationzine.wordpress.com/
Contact: carnationzine [arobas] gmail [point] com
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grunt gallery invites submissions to our open calls for creative engagement during this
isolation period. Selected submissions will be featured on the Mount Pleasant
Community Art Screen
(MPCAS), located on the side of the Independent building at
Kingsway and Broadway!
Our current calls are for:
A “Shout Out Your Window” – In a time when we cant hug, high-five, or chest bump how
do we give appreciation, gratitude, and congratulations? Use the MPCAS to share a
birthday card with someone celebrating without a party this year, a thank you poem for
the cleaner in the mall, or a cartoon of the goofy dog who made you smile.
A “Movement Map” – Physical distancing has affected our everyday movements and
travel in a drastic way. Where have you gone today? Draw a map, write a (very) short
story, film a dance, or find another way to show where and how youve moved today.
Send your name and a photo, digital image, video (10 second max), or 280 (max) word
text to communications[at]grunt[dot]ca by May 4th, 2020. More calls to come!
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CALL FOR WORKS: Life as we know it
Deadline: May 30, 2020
Nature designs toward stasis, toward stability and equilibrium. Without exhausting its
finite resources or placing its own survival in harms way, nonhuman nature develops
elegant ways of weathering complex challenges. The staying power of natural forms and
systems has influenced human thinking and expression since the beginning of our
species, and yet much of this more-than-human knowledge has been lost
within the
structures that have come to shape (post)modern (post)industrial society. In response,
biomimicry emerged to restore homeostasis to human production.
Biomimicry is an interdisciplinary field of study spanning biological research,
engineering, and design that seeks to reconcile technocentrist and ecocentrist lines of
thought. In practice, biomimicry tends to favour profitability over sustainability, and has
been taken up within the realms of surveillance technology, space exploration, and
military defense. This extraction of natural knowledges for sometimes violent and often
unecological ends signals a fundamental misuse of biomimetic ideology.
Life as we know it seeks to engage biomimicry from perspectives born from the deep
ecology, restorative design, and alternative technology movements. The exhibitions
curator, Megan MacLaurin, asks artists to look beyond instrumentalist views of the non-
human natural world and toward a relationship modeled on intrinsic value,
respect, and
advocacy. For example, how have plant forms, animal behaviours, and the cycles of
entire ecosystems shaped artistic practice? How can we destabilize nature/culture and
human/non-human binaries and refigure the anthropocentric hierarchies that sustain
them? What is human nature and how do our technologies reflect this?
We welcome submissions from all new media arts disciplines. Areas of artistic practice
favoured for inclusion in this exhibition include, but are not limited to: bio art, digital and
web-based art, machine learning, analog electronics, experimental audio-visual works,
and research-based practices.
Priority will be given to applicants who are Indigenous, Black, people of color, women,
LGBTQ2+, people with disabilities, and/or are members of other equity-seeking groups.
SUBMISSION REQUIREMENTS
Project description and artist statement (2 pages maximum)
Documentation (maximum five images and one video; please provide a URL)
Detailed description of
technical requirements (please outline materials provided by
the artist and materials expected from InterAccess)
Current CV (3 pages maximum)
Artist biography (100 words)
Please send your submissions to art [arobas] interaccess [point] org with the subject line Life as we
know it | Artwork Submission.
EXHIBITION DETAILS
The exhibition will take place at InterAccess from September 9 – October 24, 2020.
Selected artists will be notified in June 2020.
All artworks must be ready for exhibition by August 31, 2020.
All participating artists will receive an artist fee in accordance with the 2020 CARFAC
fee schedule.
ABOUT THE CURATOR
Megan MacLaurin is a curator and arts facilitator born and based in Toronto/Tkaronto,
Canada. She holds an M.A. in Art History & Curatorial Practices from York University
and a B.A. in Art History and Arts Administration from the University of Ottawa. Her
research and curatorial practice explore the intersections between natural and
technological ecologies in a
changing climate. Megan is currently the Programming
Coordinator at InterAccess and Co-Director/Curator at Bunker 2 Contemporary Art
Container.
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Video Out Call for Submissions: Tricky Eyes
Wednesday, April 15 12am-Wednesday, September 9, 2020 12am
Call For Submissions: Tricky Eyes
Video Out Distribution in partnership with IFF-Animation are seeking short experimental animated works that challenge the conventions of the animated form.
‘Tricky Eyes’ asks artists to take inspiration from the ‘chase film’, which animation historian Norman M. Klein referred to as “the collision of improbables”. Popularizedby Tex Avery’s Wile E. Coyote and Roadrunner series, the chase film relies on animating in a logically illogical way. Tricks used throughout chase films became a mechanism to expose the machinery of animation—a way for animators to show-off and hold the viewer’s attention. How can these creative tricks be applied to contemporary animation practices?
With this in mind, Video Out invites submissions of experimental animation that disrupt or play with contrasting opposites, drawing a dark circle that becomes a hole to fall into.
Possible topics include but are not limited to:
acceleration versus anticipation
action versus motivation
soft versus solid
catch and release
stretch and squash
pursuit followed by avoidance
Making the physically impossible possible
To submit:
please send a weblink of the work (Wetransfers not accepted), a short synopsis, and an artist bio to distribution [arobas] vivomediaarts [point] com. Digital (3D, 2D, hand-drawn, stop-motion, paper cutout, digitized film, etc.) submissions only, maximum two submissions per artist.
Send your submission with the subject: TrickyEyes_LastName by September 8th.
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2020 Burtynsky Grant
Deadline: Wednesday, May 20, 2020
Photographer Edward Burtynsky and CONTACT are requesting submissions for the 2020 Burtynsky Grant—a $5,000 annual grant to support a Canadian artist in the creation of a photobook.
This grant is intended for photo-based artists who are in the advanced stages of developing a cohesive, rigorous body of work presented in book form. The jury is looking for submissions from those that have created a book dummy and who have had little to no prior opportunity to self-publish or work with a publisher.
For submission details visit scotiabankcontactphoto.com. The winner and honourable mentions will be announced in June.
For questions about the programs, please email photobook [arobas] scotiabankcontactphoto [point] com.
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AKA supports the creation and development of artist driven initiatives and emerging practices that speak to, reflect and encourage dialogue in our culturally diverse communities. This includes work in all media by local, national and international artists. Our venues consist of a street-level gallery, billboard and multi-use screening and performance event space; we also source off-site locations for site-specific projects.
AKA accepts submissions on an ongoing basis for project/exhibition proposals that consider AKA’s history and setting.
Support for selected projects/exhibitions includes: curatorial assistance, shipping, insurance, installation/strike assistance, promotion, documentation and the potential development of accompanying programming suited to the form of the project. AKA pays artist fees at or (when possible) above the CARFAC national average.
Submissions Guide Please review AKA’s past programming archives, floorplan and billboard; as well as our mandate. AKA accepts digital submissions as a single PDF document via email: gallerycoordinator@akaartistrun with the subject heading: AKA Submission. Please ensure the PDF document includes your name. Digital or physical submissions in any other format will not be accepted.
Submission PDF (max 7MB) must include:
Project/exhibition proposal including technical/install needs (max. 500 words) Artist statement (max 500 words) CV with complete contact information Images with image details (max 10); OR Time-based direct embedded links
AKA Artist-run centre 424 20th Street West Saskatoon, Treaty 6 Territory and the Homeland of the Métis Saskatchewan, Canada, S7M 0X4
306-652-0044 akaartistrun.com
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Southern Alberta Art Gallery (SAAG) Submission Guidelines Exhibition proposals are accepted throughout the year and reviews are ongoing. Selection is carried out over a period of time through studio visits and correspondence with artists and curators in whom the gallery has an interest. Those interested in proposing their work to SAAG are asked to include with their submission: a curriculum vitae, an artist statement and/or letter of intent, a wide selection of images, and other relevant support material. Submissions should be mailed to:
Southern Alberta Art Gallery 601 3rd Ave. S. Lethbridge, Alberta T1J 0H4
The gallery will not return your submission – please do not send original artworks or valuable materials. Given the large number of submissions received by the gallery, formal letters of reply will only be issued to proposals of immediate interest.
Exhibitions are generally six weeks in length. An opening is held to introduce the work to the public. Artists are also invited to give an illustrated lecture on their work in conjunction with the University of Lethbridge Faculty of Fine Art during the academic year. Other special events (workshops, panel discussions, etc.) are considered on a case-by-case basis.
The Southern Alberta Art Gallery pays CARFAC fees, shipping and insurance, and often seeks funding to produce catalogues for the exhibition. All publications, including our quarterly newsletter GALLERY (which discusses and reproduces work by exhibiting artists along with other programming), are exchanged with other institutions in Canada and abroad.
The Southern Alberta Art Gallery fosters the work of contemporary artists who challenge boundaries, encourages broad public engagement and promotes awareness and exploration of artistic expression. Our work extends to local, national and international communities.
http://saag.ca/art/submission-guidelines/
3. appels internationaux
Rapid Response For A Better Digital Future – Eyebeam
As economies and everyday routines are disrupted around the world, Eyebeam is taking action to support artists who are imagining a more humane digital realm. They aim to help artists who will create new ways of interacting through the internet, new ways of engaging with each other, and more equitable relationships for sustainable arts practices and creative economies. It is based on the fundamental notion that radical imagination, led by artists, is a key step in building for the long term.
They’re asking artists to generate ideas and actionable projects that enact solutions for rebuilding digital systems, and improving the overlap and interplay between them and lived, social experience. For the first time in Eyebeam’s 20 year history, they are pausing their flagship Residency program. Instead they’re launching a new program, Rapid Response for A Better Digital Future. Grounded in the belief that artists have the most impactful and culture-shaping ideas, this fund is intended to support projects that are most responsive and potentially groundbreaking in building a better digital world.
Rapid Response for A Better Digital Future was born from conversations with artists and advisors at the outbreak of the global pandemic and will unfold in two phases. In the first, planning/idea stage, twelve $5,000 grants will be made available for top applications, gathered through a free open call. The application is online with deadline May 21st 2020. Phase 1 applications will be selected by a jury of Eyebeam staff, alumni, and advisors. In the second, project/development phase, three of those recipients will be awarded up to an additional $20,000 to build their ideas into actionable projects, based on their potential for real-world impact. The twelve participants will form an active cohort of practitioners, encouraged to collaborate between phases. Regular and robust virtual communication, expert consultation, skill sharing, and group critique and conversation will be provided to all of the supported artists, facilitated by Eyebeam.
The guiding question for this call is: how do we begin to exit surveillance capitalism as the dominating form of digital life and what can replace it? They will prioritize work that addresses this through the following, interrelated, lenses:
New, online public spheres
Ethical or values-driven technology
Health and well-being
Development of public policy
Creating space for imagination
Individual autonomy, borders, and immigration
New and necessary skills for artists
Democratic engagement and fortification
Impacts of Covid-19
Increasing accessibility of online platforms
Artificial and natural intelligence
Successful applications will:
demonstrate how resultant ideas and projects will be non-commercially distributed into the public domain and made available for anyone to use
strive for plateaus of imagination that have realizable potential without massive corporate investment
stretch what is thought to be possible, long into the future
craft ideas and build projects that combine enormous vision with DIY practicality
30 mai
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APPEL À VIDEO / VIDEO CALL
SORTIE DE ROUT(IN)E : LA VIE D’APRÈS ?
Ne laissons pas notre créativité confinée !
Corps confinés mais esprits libres : en attendant de vous retrouver, VIDEOFORMES fait appel à vos talents de vidéaste : réalisez une vidéo expérimentale !
→ Explorez, testez, libérez votre imagination et envoyez-nous vos vidéos par Wetransfer à l’adresse : videoformes [arobas] videoformes [point] com
→ Contraintes techniques : format 16:9 en .mp4 ou .mov. Durée maximale : 3 minutes.
Vos vidéos seront présentées lors du festival VIDEOFORMES 2021 !
VIDEO CALL : GETTING OUT OF ROUT(IN)E: LIFE AFTERWARDS?
Let’s not keep our creativity locked down!
Confined bodies but free minds: while longing to meet again, VIDEOFORMES calls on your talents as a videographer: make an experimental video!
→ Explore, test, unleash your imagination and send us your videos by Wetransfer at: videoformes [arobas] videoformes [point] com
→ Technical constraints: 16:9 format in .mp4 or .mov. Maximum length: 3 minutes.
Your videos will be presented during the VIDEOFORMES 2021 festival!
→ Deadline : 15/07/2020
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Open Call for Art Jameel Commissions: Digital
Third edition seeks proposals for interactive, engaging experiences for online audiences
jameelartscentre.org
Art Jameel, an independent, international organisation that supports arts, education and heritage in the Middle East, announces an Open Call for proposals to Art Jameel Commissions: Digital. Responding to unprecedented global events, the third cycle of Art Jameel’s multi-year commissioning programme has been adjusted and expanded to include a new iteration designed for maximum audience engagement, regardless of location. The 2020 commission also provides an opportunity for mentoring by technical experts from MIT’s Abdul Latif Jameel World Education Lab (J-WEL).
Artists are invited to submit proposals through an online Open Call by the deadline of June 10, 2020 (midnight GST); the winning work will be selected by an esteemed jury through the summer, with the work to be launched and exhibited online for at least six months through 2020-21. The 2020-2021 Art Jameel Commissions jury includes Nadim Samman, Curator for the Digital Sphere at KW Institute for Contemporary Art, Berlin; Finnish word, living media and sound artist Jenna Sutela; Ben Vickers, publisher and Chief Technology Officer at the Serpentine Galleries, London; and members of Art Jameel’s curatorial team.
Art Jameel Commissions: Digital invites artists to propose engaging projects and artworks that create interactive experiences for online audiences. The commission focuses on the theme of “Time”—thinking through how our usual concept of time has been challenged by technology and circumstance, and even at times appeared to be cancelled, lost or frozen. The commission also presents an opportunity to rethink and reboot our understanding of “digital art” and the ways in which it can question, investigate and form meaningful connections and experiences. This commission is primarily interested in ideas and experiences, rather than technological hard or software: submissions for Art Jameel Commissions: Digital should address a specific aspect of time today, and inventively translate this into a digital interface that helps us re-examine what time has been, is—or could be.
The awardee will be granted a prize of USD 7,500, in addition to a dedicated production budget for their project, which will be hosted and promoted on Jameel Arts Centre website. The winner will also receive curatorial support, both during the production process and during launch, and technical mentorship and support in collaboration with MIT J-WEL. The work will enter the collection of Art Jameel.
While the Jameel Arts Centre is temporarily closed, in support of the UAE’s efforts to contain the spread of COVID-19, the institution has launched a rapid-response programme that aims to support independent practitioners in the Middle East and provide global at-home audiences with innovative digital resources providing learning materials, insights into artists’ practices and creative experiences.
Opportunities for artists include a new Research and Practice Platform, intended primarily for those who work on a per-project basis and whose practices have been affected by programme cancellations and project changes, locally or globally.
Jameel Arts Centre’s new digital resources include an interactive virtual programme Jaddaf Aloud Online, bringing artist-led workshops—plus homegrown music, performance, artisanship and food—into homes in the UAE and across the world; The Breakup, a ten-part radio series by Michael Rakowitz live streaming from the Jameel’s Gallery 9, as part of the renowned Iraqi-American’s current show; access to the Jameel Library online catalogue; digital guided mediations and curator-led slow-viewing sessions; and the first bilingual (Arabic/English) free guide for children addressing current challenges presented by the COVID-19 virus.
Full details and the application form for Art Jameel Commissions can be found here.
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Indeterminacy / Share Commission
NEoN
Deadline: May 20, 2020
NEoN Digital Arts Festival is dedicated to showcasing artworks that critically engage with digital and media technologies. This year, NEoN is collaborating with The Indeterminacy Project, DJCAD, and University of Dundee to support a series of projects by emerging digital artists. They are seeking to commission artists at the first stages of their career (regardless of age) whose works engage with any aspect of the project theme of indeterminacy and NEoN 2020 festival’s theme of “Share, Share Alike.”
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Rapid Response For A Better Digital Future
Eyebeam
Deadline: May 21, 2020
Eyebeam is looking for projects that aim to build a better digital world using the guiding question: how do we begin to exit surveillance capitalism as the dominating form of digital life and what can replace it? They aim to fuel means for creating space for deep contemplation and imagination, and are asking artists to generate ideas and actionable projects that enact solutions for rebuilding digital systems, and improving the overlap and interplay between them and lived, social experiences.
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Les inscriptions pour les 33es Instants Vidéo 2020 sont ouvertes !
Bonjour, la 33e édition du festival Les Instants Vidéo débutera en novembre 2020 (exposition, projections, performances…) à Marseille à la Friche la Belle de Mai et dans d’autres lieux de la ville. Comme chaque année, le festival se déroulera aussi dans d’autres villes de France ou à l’étranger. Chaque lieu recevra une programmation spécifique. Le texte d’Appel à candidaturesqui suit fait état des questions que l’équipe des Instants Vidéo se pose en ce moment. Il ne s’agit pas d’une thématique. Chaque artiste a le choix d’en tenir compte ou pas.
33e FESTIVAL LES INSTANTS VIDEO Novembre 2020 – Marseille (et ailleurs) APPEL A PARTICIPATION – Date limite : 5 juin 2020
La beauté d’un geste éperdu (un appel dédié à Annie Le Brun qui nous a fait ressentir la beauté profonde du mot éperdu) Le monde s’est enlaidi. Les guerres avec leurs cortèges de ruines et de cadavres, la misère galopante, les forêts et les océans maltraités, de ce côté là, rien de nouveau sous le soleil. La laideur inédite résulte d’une épidémie bien plus violente que la peste : la marchandisation de la quasi-totalité du monde. Une guerre menée contre tout ce dont on ne peut extraire de la valeur, une guerrecontre la passion et la vie déraisonnable. Une guerre contre le désir et les corps sans lesquels il ne peut y avoir de pensée. Si l’art fit longtemps figure d’exception, déployant ses innombrables formes habitées par le désir indomptable, force est de constater que dans sa forme dite « contemporaine » il est de moins en moins possible de le distinguer des esthétiques de pacotille qu’imposent à notre regard et à notre ouïe l’omniprésence uniforme de la marchandise. Nos corps, nos villes et nos musées d’art contemporain, partout dans le monde exposent les mêmes objets, les mêmes images, les mêmes marques, les mêmes signes, transformant la planète en un immense parc d’attraction puérile ou en une immense zone commerciale digne d’un aéroport. Plutôt que d’habiter poétiquement le monde, nous sommes en transit, des morts en permission, des objets consommables et jetables. Nous habitons l’empire de la positivité marchande d’où doivent être bannis objection, lutte, heurt ou conflit. Or, nous signale William Morris, la laideur n’est pas neutre ; elle agit sur l’homme et détériore sa sensibilité, au point qu’il ne ressent même pas sa dégradation, ce qui le prépare à descendre encore d’un cran. La pensée n’est pas à l’écart de cette globalisation de la médiocrité. Elle s’est lâchement adaptée à notre époque consommatrice d’insignifiance. Les conséquences sont terrifiantes. Les corps sont les premiers à en pâtir, pétrifiés par les eaux glaciales du calcul égoïste, ils gisent mutilés, réduits à la plus simple expression de leur valeur marchande, de leur capacité à générer du profit. Ils n’ont plus qu’une seule liberté, celle d’obéir. Ils n’ont plus qu’un seul horizon, s’accoutumer à la laideur. Dans l’œil du cyclone de l’horreur économique, qui est la pire des catastrophes climatiques, SURGISSENT là où on ne les attend pas des météorologues du désir. Ce sont les féroces poètes, les femmes et les hommes dont la mesure est à hauteur de leurs débordements, qui par un geste foudroyant nous libèrent de plusieurs siècles de domestication et de résignation folle, en tentant d’affranchir l’imagination par un long, immense, raisonné dérèglement de tous les sens comme nous y invite Rimbaud. Ce geste lève le voile d’une beauté à réinventer. Il est le trait d’union entre la nécessité érotique de nos corps et la nécessité critique de la poésie et des images. Ce sont ces gestes météorites que le festival souhaite saisir à leur passage.
Formulaire d’inscription ici : https://www.instantsvideo.com/blog/archives/5425
4. résidences
RAMAILLER NOS ESPACES DE VIE :
SE MANIFESTER, S’EXPOSER,
FAIRE ENSEMBLE
Résidence de coproduction en art infiltrant
Projets d’art participatif, contextuel, in situ, in socius, performatif, installatif, multidisciplinaire, manœuvrier, interdisciplinaire, etc.
Date limite d’envoi : 1 juillet 2020
Période de réalisation : 2021-2023
Le 3e impérial, centre d’essai en art actuel, invite les artistes à soumettre un projet de résidence dans le contexte de son prochain cycle d’exploration Ramailler nos espaces de vie: se manifester, s’exposer, faire ensemble.
Nous recherchons des propositions qui offrent une expérience renouvelée de la quotidienneté et qui contribuent à réactiver nos rapports de proximité dans le contexte des enjeux actuels de notre monde. Des propositions d’art infiltrant qui explorent les territoires que nous habitons, ceux qui nous habitent et nous façonnent, et qui infléchissent, avec toute l’ambiguité qui peut s’y terrer, nos pratiques d’hospitalité. Comment manifester notre volonté, individuelle et collective, et notre engagement à participer à la construction d’un monde viable et réjouissant pour les générations à venir ? Par quels gestes pouvons-nous faire acte de réparation, de reconnexion ? Faire ensemble, se manifester, s’exposer, ramailler nos espaces de vie ?
Les artistes sélectionnés seront invités dans un premier temps à rencontrer l’équipe du 3e impérial et à réaliser un séjour de prospection visant à se familiariser avec les réalités et potentiels du contexte social et géographique où prendra place leur projet (Granby/Québec, région Haute-Yamaska en Montérégie, en territoire ancestral de la Nation Waban-Aki), à le valider et, au besoin, à l’ajuster pour ensuite convenir d’un plan de production/diffusion et du calendrier des séjours en résidence.
Dans un esprit d’inclusion, la sélection des projets vise à accueillir une pluralité d’horizons culturels et identitaires et à refléter la diversité des pratiques et disciplines de l’art actuel. Les propositions d’artistes émergents, à mi-carrière ou établis sont toutes bienvenues.
Nous invitons les artistes à consulter les pistes de réflexion proposées ainsi que les modalités du programme de résidence et les conditions offertes avant de soumettre une proposition.
Aux artistes qui souhaitent soumettre une proposition, le 3e impérial, centre d’essai en art actuel offre aussi la possibilité de participer à une rencontre d’information et d’échanges par visioconférence. Veuillez nous contacter pour connaître la date et le lien pour y participer. info [arobas] 3e-imperial [point] org
Voir la variété des projets réalisés : 3e-imperial.org/coproductions
Fondé en 1984, le 3e impérial, centre d’essai en art actuel, propose une approche interdisciplinaire et contextuelle des arts visuels prenant pour assises la quotidienneté et la proximité avec les communautés. Ses activités – création, exploration, production, diffusion, pensée et écriture critiques, édition, forums publics, résidence d’artistes/d’auteurs/de chercheurs – se fondent sur la collaboration et la rencontre de divers savoirs et expériences pour soutenir, documenter, approfondir et mettre en œuvre des chantiers d’art public qui s’infusent et se diffusent dans des particularités territoriales et humaines tout en valorisant les liens entre pratique artistique, espace public et engagement social.
3e impérial, centre d’essai en art actuel
164 rue Cowie, suite 310, Granby, Québec, Canada J2G 3V3
Tél. 450-372-7261 info [arobas] 3e-imperial [point] org
www.3e-imperial.org
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2020 Intergenerational LGBT Artist Residency (Online)
Intergenerational LGBT Artist Residency, Toronto
Deadline: June 1
LGBTQ2+ artists based in Canada are invited to apply for this juried online residency, offering a $1000 stipend, shared meal times, a workshop and tour, regular check-ins with the cohort, and studio visits with guests.
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APPEL À CANDIDATURE /
OPEN CALL 2021
DEADLINE 1er juin 2020
Embassy of Foreign Artists met en place des appels à projets thématiques ouverts à tous types de pratiques. Ceux-ci reflètent nos centres d’intérêts et notre ambition d’offrir un temps de recherche et une visibilité à des projets originaux qui portent une réflexion critique sur leur sujet.
Open call 2022
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Programme artistes en résidence
Atelier d’estampe IMAGO
Date de tombée 1er juin (extension).
Imago Inc. est un centre d’artistes autogéré de production en estampe.
Le mandat de l’atelier Imago est de promouvoir et diffuser la création artistique dans le domaine de l’estampe contemporaine. Fondé en 1986 et incorporé en 1992, par 11 artistes du sud-est du Nouveau-Brunswick, le centre offre un lieu de recherche à ses membres et un atelier fonctionnel aux artistes.
L’atelier d’estampe Imago Inc. est à la recherche d’artistes pour travailler dans son atelier pendant une période de 2 à 3 semaines. La résidence doit avoir lieu entre septembre et avril.
Imago prend en charge les frais de transport, l’hébergement et offre un cachet d’artiste de 600$ par semaine.
Les artistes possédant une expertise dans le domaine de l’estampe qui désirent présenter un projet doivent soumettre un dossier contenant un seul document PDF (aucun WeTransfer) comprenant :
– un curriculum vitae à jour;
– un texte de démarche artistique;
– un texte décrivant le projet de recherche;
– 10 images numériques d’oeuvres récentes en estampe.
Veuillez envoyer vos dossiers à l’adresse courriel: submissionsimago [arobas] gmail [point] com. La période de soumission est ouverte du 15 mars au 1er mai seulement.
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Vous êtes un artiste ou un professionnel étranger de la culture et séjournez à Paris dans le cadre de votre travail ? Vous pouvez déposer une demande de logement à la Cité internationale universitaire de Paris en ligne : http://workflow.ciup.fr/citeu/site/login.php
Certains logements sont spécifiquement adaptés à l’activité artistique : la Cité internationale dispose de deux ateliers-logements pour artistes plasticiens et six studios avec cabine insonorisée pour les musiciens. Les différentes maisons de la Cité internationale peuvent également accueillir des artistes et professionnels de la culture en fonction de la disponibilité de leurs logements (sans espace de travail). Le tarif des logements varient selon le type, le confort et la durée du séjour.
Si votre nationalité est représentée par une maison de la Cité internationale, renseignez-vous auprès d’elle pour connaître la démarche à suivre. Cf. http://www.ciup.fr “les maisons”.
Si cette maison représentant votre nationalité n’a pas de disponibilité, votre demande pourra être transmise aux autres maisons de la CIUP, sous réserve de la validation de la demande par la CIUP.
Les statuts de la cité prévoient en effet que pour y être admis, la venue de l’artiste doit s’inscrire dans le cadre d’un projet précis soutenu institutionnellement (venue sur invitation d’une structure culturelle française, ou sur envoi d’une structure culturelle du pays de résidence de l’artiste, pour une réalisation spécifique). Cette institution doit soutenir financièrement le projet, et donc le séjour de l’artiste à Paris.
D’autre part, la cité prévoit dans ses statuts que les artistes soient étrangers ou en mobilité internationale.
sans date limite
5. art public
Request for Qualifications: Sherbourne Water’s Edge Public Art
Waterfront Toronto
Deadline: May 20
Professional artists are invited to submit their credentials for consideration for a major public artwork to be located on the water’s edge, in Toronto’s East Bayfront Precinct.
6. pour commissaires
SUBTLE TECHNOLOGIES 2020 Emerging Curator Incubator program
CALL: EXPRESSIONS OF INTEREST | Submit by 25 May 2020
Subtle Technologies provides a platform for community-building and
knowledge sharing at the intersection of art, science, and technology.
Subtle Technologies invites Expressions of Interest (EOI) for
participation in the organizations 2020 Emerging Curator incubator
program. Applicants may be current students, recent graduates or new
to the field of curation. The 2020 Emerging Curator incubator is a 3-
phase program with EOI, Proposal and Project development phases.
Honoraria will be offered to candidates selected for continued
participation.
Stage 3 of the project will be a fully detailed, submission-ready
fundraising proposal describing a curatorial project prepared with the
mentorship of Subtle Tech Board of Directors. Board members will
perform an active advisory and support role at all stages of conceptual
development, critical contextualization, administration, fundraising and
dissemination.
Honoraria: Phase 1 ” EOI, Phase 2 ” $600, Phase 3 ” $3000
In your EOI:
Describe your curatorial concepts, themes and general information
about your projected scope.
Indicate the intended audience for an online project and how you
propose to reach them.
Demonstrate your
capacity to realize your ideas.
To participate in Subtle Technologies 2020 Emerging Curator Incubator
program, submit the following documents to
programming [arobas] subtletechnologies [point] com by 25 May 2020.
Combine EOI documents into a single PDF under 2 gigs or as a url
document. EOIs will be received by document transfer (Wetransfer), or
url. Please include:
A project statement (up to 500 words) outlining your project idea, its
conceptual relevance to the times, and your experience with online
curation. Video, audio and text statements will be accepted.
Examples of past work relevant to your proposal including writing and
design samples, audio/visual documentation and online citations.
CV / Bio / Website / Social media
Subtle Technologies is committed to equity, diversity, and inclusion in
all our programming and organizational activities. We encourage
proposals from all individuals including those of underrepresented
communities.
ABOUT SUBTLE TECHNOLOGIES
Subtle Technologies is
a Toronto-based platform for community
building and knowledge sharing at the intersection of art, science and
technology. Our projects invite a curious public to engage with ideas at
the leading-edge of Canadian creativity while promoting cross-
disciplinary collaboration and exchange between diverse communities.
Through strategic partnerships, we program year-round events that
educate and incubate the next generation of makers and thinkers. We
also provide support and consultation to projects generated by those
encounters.
For more information, including examples of past Subtle tech projects,
please visit www.subtletechnologies.com
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Appel de texte – Écosystème vol. 4 : Alimentation / LA CHAMBRE BLANCHE
31 mai 2020
/ Montréal (Québec)
Le projet ÉCOSYSTÈME est né d’une volonté pour LA CHAMBRE BLANCHE d’élaborer une collection de textes théoriques qui explorent les relations entre les arts actuels et numériques et les différentes sphères de l’activité humaine. ÉCOSYSTÈME est une revue annuelle de textes en ligne, nourrie par des autrices et auteurs issu·e·s d’un vaste horizon de pratiques. Dans ce contexte, la notion d’écosystème* implique des rencontres et des échanges entre des systèmes de pensée et des domaines de recherche historiquement isolés les uns des autres. Elle s’appuie sur les processus d’hybridation culturelle qui participent au mécanisme global de l’évolution des pratiques.
Pour le quatrième volet de la collection, LA CHAMBRE BLANCHE lance un appel de textes aux autrices et aux auteurs, concerné·e·s de près ou de loin par la question de l’alimentation, de la nourriture. Nous souhaitons des réflexions issues de pratiques ou de recherches qui chevauchent les champs des arts visuels/numériques et de l’alimentation. Au-delà de l’association courante établie entre gastronomie, fine cuisine et création, quels sont les rapports que la nourriture entretient avec l’esthétique? De la nature morte à la peinture comestible, des soupes Campbell de Warhol aux pommes de terre électriques en passant par la robe de viande de Sterbac, comment l’association alimentation-esthétique traverse-t-elle les disciplines artistiques visuelles et littéraires ? Comment est-elle récupérée par les modes et la publicité ? Qu’est-ce que la psychologie, la biologie végétale, les sciences pures et sociales, grâce aux avancées technologiques, ont à nous révéler sur le sujet ? Nous recherchons des propositions savoureuses qui explorent l’univers de la nourriture sous un angle original afin de nous faire découvrir un écosystème singulier où alimentation et art gravitent ensemble.
Le centre offre :
Des honoraires de 80$/feuillet
La proposition doit comprendre :
Une brève description du texte à venir (250 mots)
Un curriculum vitæ à jour (3 pages)
Une biographie (100 mots)
Deux ou trois textes ou extraits de textes
Faire parvenir votre proposition par courrier électronique à LA CHAMBRE BLANCHE au plus tard le 31 mai 2020 à l’adresse suivante: recherche [arobas] chambreblanche [point] qc [point] ca en spécifiant «Collection ÉCOSYSTÈME» dans l’intitulé du courriel.
* Pierre Dansereau (1911-2011) est considéré comme l’un des fondateurs de l’écologie contemporaine. La réflexion humaniste de ce québécois puise dans les sciences naturelles, sociales et humaines, aussi bien que dans les arts. En 1957, son ouvrage Biogeography: An Ecological Perspective marque un tournant dans les études écologiques et lui assure une reconnaissance universelle. Toute l’œuvre de Dansereau souligne et précise l’importance de la collaboration entre les espèces vivantes, s’opposant ainsi à la théorie de l’évolution de Darwin basée sur la compétition. Cette vision intégratrice inclut les êtres humains dans ce que Arthur George Tansley appelait déjà un écosystème en 1935. Professeur dans diverses universités québécoises et américaines, Pierre Dansereau a toujours prôné l’interdisciplinarité, un concept peu prisé dans le Québec fermé des années 50. À cette époque, il poursuivit ses recherches et son enseignement dans un contexte plus ouvert aux États-Unis.
Date limite : 31 mai 2020
LA CHAMBRE BLANCHE
185, rue Christophe-Colomb Est,
Québec (Québec) G1K 3S6
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Call for Artistic Director
Application deadline: May 24, 2020, 11:59pm
Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro
Av Infante Dom Henrique 85 | Parque do Flamengo
Rio de Janeiro-RJ
20021-140
Brazil
Hours: Tuesday–Sunday 10am–5pm
chamada [point] aberta [arobas] mam [point] rio
Application deadline: May 24, 2020, 11:59pm (Brasilia time).
Any schedule changes will be published on www.mam.rio.
On May 3, 2020, the date of its 72nd anniversary, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio) has opened an international South American call to select a new artistic director. MAM Rio has one of the most important modern and contemporary art collections in Latin America.
The post of artistic director of MAM Rio is open to Brazilians, citizens of Mercosur countries (Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador, Paraguay, Peru, and Uruguay), and people of other nationalities with a visa to live and work in Brazil. The employment contract will have an initial term of two years, and may be renewed.
The new artistic director will replace the art critic, professor, and curator Fernando Cocchiarale, with responsibility for curating the museum, its collections, and its contemporary art exhibitions. The professional will also oversee a broad range of projects and events run by the film, documentation, and education departments, including a partnership with the Capacete international art residency, whose activities, agenda, and research processes will be integrated with other MAM Rio activities.
In line with our commitment to transparency, there will be a two-stage selection process involving two different committees. The names of the committee members will only be made known with the final result. The deliberative committee will be made up of members of the museum’s team with complementary competences. The consultative committee will be made up of actors from the field of culture, including artists, curators, and leaders of organizations in the museal sector. Care will be taken in the selection of professionals involved in the process to ensure there is no conflict of interest or risk of decisions being made for personal gain. MAM Rio is committed to protecting the privacy of all those involved in the selection process.
About MAM Rio
Founded in 1948, MAM Rio is devoted to avant-garde and experimentation in art, film, and culture. With around 15,000 artworks, it has one of the most important collections of modern and contemporary art in Latin America.
At MAM Rio, dozens of seminal exhibitions and events in Brazilian modern and contemporary art have taken place, including the 1st Neoconcrete Exhibition (1959), Opinião 65 and Opinião 66, Nova Objetividade Brasileira (1967), Salão da Bússola (1969), Salões de Verão (1969 and 1974), and Arte Agora III – América Latina: geometria sensível (1978).
MAM Rio is a non-profit civil society organization of public interest. It is funded by individuals and corporate entities, and currently counts on permanent funding from Petrobras, Itaú, and Ternium, via the federal law for the promotion of culture, as well as sponsorship from the PetraGold Group.
The MAM Rio building, which has housed the museum since 1958, is known internationally as an exemplar of modern architecture. It was designed by architect Affonso Eduardo Reidy, who also devised the walkway that connects the museum to downtown Rio de Janeiro and the urban park, Parque do Flamengo, in which the museum stands. The MAM Rio gardens and the park were landscaped by Roberto Burle Marx, hailed as the greatest landscape artist of the twentieth century.
Over the years, MAM Rio has harbored a great many of Brazil’s vanguard art movements, including Grupo Frente (1954), Neoconcretism (1959), New Brazilian Objectivity (1967), Cinema Novo (1960s), Cinema Marginal (1970s), independent shorts and documentaries (1970s-1980s), and contemporary experimental film (2000s).
Since January 2020, the museum has been under new management, led by the executive director, Fabio Szwarcwald. The transformation process of MAM Rio has been designed to reorient the museum along the lines of its original purpose, sustained by the three pillars of art, education, and culture.
Applications and more information: https://www.mam.rio/open-call-artistic-director/
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PROLONGÉ ! APPEL DE PROPOSITIONS
Numéro : 261 – Hiver 2021
Date de tombée : 28 juin 2020
« Mutations : sciences, technologies et autres formes inimaginables de l’art »
La discussion entourant la collaboration entre art et science n’est pas nouvelle : on retrouve dans l’histoire de l’art plusieurs cas où les artistes mettaient en œuvre de telles rapprochements, suivant aussi certaines redéfinitions du rôle de l’art et de la science selon la valeur de production. Pensons aux constructivistes russes qui, au début du XXe siècle, proposaient une définition de l’artiste comme ingénieur : dans ce contexte, l’œuvre d’art s’inscrivait dans une approche du design de l’environnement, répondant ainsi à une fonction matérielle et économique. Ce type d’association a aussi trouvé son écho dans l’art des années 1960 aux États-Unis, alors que les universités, pendant la Guerre Froide, cherchaient à expérimenter des formes artistiques à travers la technologie pour répondre à des besoins techniques. Avec l’imbrication de plus en plus serrée des technologies et des sciences, l’idée conceptuelle de l’art médiatique et de l’art des nouveaux médias dans les années 1980 s’est alors profondément ancrée dans des intentions collaboratives : à l’artiste s’ajoutait le scientifique et le technicien, et l’œuvre d’art pouvait intégrer de manière toujours plus spécialisée la science et les technologies (Voropai, 2011). Et au-delà même d’une méthodologie axée sur la collaboration, qui impliquerait la primauté du scientifique sur l’artistique, et qui valoriserait l’instrumentalisation de l’œuvre d’art au profil d’une vulgarisation scientifique, différents programmes de création et différents lieux de diffusion de l’art actuel intègrent désormais des recherches connexes, considérant la relation entre l’art, la science et la technologie de manière contingente, toujours fluide, mouvante, et de plus en plus poreuse.
Dans le contexte où le paradigme de la production et de la croissance dans le système marchand est remis en question à la lueur des crises sociales et écologiques, et suivant aussi l’élan des artistes contemporains qui ont démontré à plusieurs reprises que l’art peut être vecteur de transformations, de changements et agir sur le réel, est-ce que d’envisager les fusions et les mutations multiples de l’art, des sciences et des technologies ne pourrait pas offrir les balises nécessaires pour entamer la création de formes et d’espaces encore impossibles à imaginer? De quelle manière les artistes et les scientifiques, en ouvrant leurs disciplines respectives à des méthodologies et des formes d’expérimentations qui leur sont étrangères, peuvent opérer de nouvelles avenues et investir subtilement les interstices qui subsistent entre les structures du réel et de l’invisible?
Les propositions attendues dans le dossier « Mutations : sciences, technologies et autres formes inimaginables de l’art », rendront compte des développements nouveaux qui occurrent avec la fusion de l’art, des sciences et des technologies. Elles s’intéresseront aux formes hybrides usant de machineries, de mécanismes, d’automatisation, d’intelligence artificielle, de biotechnologie, tout comme aux pratiques profondément engagées dans la création exploratoire d’imaginaires techno-scientifiques.
Rubriques récurrentes
Vie des Arts publie également des critiques d’exposition, des profils d’artistes, de brèves actualités qui mettent en valeur les enjeux qui façonnent l’art actuel et son milieu. Les propositions doivent être courtes, inclure le sujet anticipé ainsi qu’une description de l’angle critique envisagé pour la rédaction.
Toutes les soumissions, pour le dossier thématique et les rubriques récurrentes, doivent comprendre une proposition de texte (350 mots), trois extraits de textes antérieurs (publiés ou non) ainsi qu’une courte biographie (40 mots), et être envoyées à redaction [arobas] viedesarts [point] com avant le 28 juin 2020. Nous ferons un suivi avec les propositions pressenties et les textes finaux, suivant l’entente préalablement prise avec la rédaction, devront être rendus au début du mois d’octobre 2020.
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Cosmic Bulletin
Call for papers
Submission deadline extended to: June 1, 2020
Dear friends and colleagues, we hope you are well.
Earlier this year the Institute of the Cosmos announced a call for papers for publication in the Cosmic Bulletin: a free, single-issue journal, influenced by the philosophy of Russian cosmism and its historical and contemporary manifestations. The Institute of the Cosmos is a collective research project, developed as an artistic contribution for the Riga International Biennial of Contemporary Art (RIBOCA2), which was planned to open to the public in May of this year. The Cosmic Bulletin is a publishing platform of the institute.
As has been the case with most exhibitions this spring, the biennial cannot proceed as scheduled or in the way it was originally devised. In the absence of physical contact, new and alternative ways of presenting art and ideas need to be explored. The Institute of the Cosmos will be developed online and will open at the end of this summer.
This unexpected delay allows us to extend the deadline for submissions for the Cosmic Bulletin. We thank everyone who already sent in their papers, and would like to encourage those of you who would still like to do so, to send us your text by June 1, 2020.
Warmly,
The Institute of the Cosmos
The Cosmic Bulletin
The bulletin will address the need for a creative investigation of the materiality of the cosmos and its strange universalism, from the perspectives of philosophy, anthropology, history of science and art. The bulletin intends to interrogate the current understanding of our biological and social conditions, and to map vectors of our future development, inspired by the history of cosmist thinking and the speculative practices that sustain it. The bulletin seeks to unlock the hidden potential of radical imaginaries across multiple fields and histories of knowledge.
We have many urgent questions: How can our understanding of time and space be expanded? How can our life-span be extended? What are the horizons of organic and inorganic life? How to control time? How to understand the unity of all that exists? How does our post-secular society challenge contemporary science, and vice versa? What kind of sociality will a cosmist future bring? How can life on Earth and beyond be elaborated? What could extra-terrestrial art and literature be? Are plants conscious and should we eat them? How to live without killing any form of life? We welcome you to think this through with us.
The Institute of the Cosmos invites scholars, artists, activists and autodidacts in all fields to contribute original studies, critical essays, theory and fiction pieces and other cross-genre forms of experimental writing.
Suggested topics:
–Genderless society and a post-reproductive condition
–Non-colonization of other planets
–Cosmopolitanism and cosmo-politics
–Cosmist aesthetics and evolutionary creativity
–Museum as a laboratory of resurrection
–Art without Death
–Active evolution of species
–Emancipation of inorganic matter
–Geo-engineering and terraforming
–Star anti-wars and total demilitarization
–Conservation of life, preservation and immortality
–Transformation of energy, nutrition techniques and autotrophic ecology
–Cosmic temporality and heuristics of time
–Cosmic subjectivity and cosmist consciousness
–Post-secular religiosity and techniques of re-enchantment
–Interplanetary medium, extra-terrestrial life and space travel
–Radical futurology and scientific fortune-telling
–Spatial communities and the commons in space
–Cosmocene and decentered space
The deadline for submissions is June 1, 2020.
Please email text as Microsoft Word document to cosmism [arobas] rigabiennial [point] com.
The Institute of the Cosmos is a project by Arseny Zhilyaev, Marina Simakova, and Anton Vidokle.
Want to learn more? Ongoing timeline of cosmism here, and e-flux journal on Russian cosmism here.
The second edition of Riga Biennial of Contemporary Art (RIBOCA2), and suddenly it all blossoms, curated by Rebecca Lamarche-Vadel, looks to re-enchantment as a frame for building desirable futures and to reimagine ways of being human and making relationships in contemporary contexts. Against cynicism and political despair, transforming fear into possibility and peril into exuberance, the Biennial seeks alternative actions, thoughts and narratives in the perspective of collective futures.
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Appel aux textes et aux visuels
Inter, art actuel n. 136 – Afrique
Confirmer votre participation
Inter souhaite réaliser un dossier spécial sur l’art actuel en Afrique. Cet appel est ouvert à tous·tes: étudiant·es, artistes, enseignant·es, travailleur·euses de la culture, passionné·es des arts visuels. Nous encourageons tout spécialement les auteur·ices africain·es et afro-descendant·es à soumettre leur proposition.
Ce projet peut paraître ambitieux, si l’on considère qu’il s’agit d’un continent d’une cinquantaine de pays. Néanmoins, nous aborderons quelques zones d’effervescence qui ont alimenté les jalons historiques et balisé les chemins de l’art actuel en Afrique depuis les indépendances jusqu’à nos jours, examinant les propositions au cas par cas. Nous évoquerons à titre d’exemples des pays dont l’activité s’est fait remarquer ainsi que des artistes qui ont marqué leur temps et dont les noms sont devenus des références pour la mémoire et pour la postérité.
Même si les rédacteur·ices se pencheront principalement sur l’art performance, ils parleront aussi des autres pratiques en arts visuels et en art action car, faut-il le préciser, la performance en Afrique n’est pas née ex nihilo. Ce dossier révélera les influences, décèlera les tendances, mais montrera surtout comment une génération d’artistes en est venue à se distinguer grâce à un art marqué par les mobiles de la revendication identitaire et de la contestation sociopolitique. Oui, le mouvement de transgression des règles de l’art a eu lieu partout dans le monde, mais l’Afrique s’est particulièrement illustrée par sa propension à composer avec des paradigmes africains, tout en restant plus ou moins inscrite dans la globalité.
* La rémunération des auteur·ices est établie par cotes selon le type de texte soumis et déterminée à la sortie du numéro selon le nombre de collaborations.
Consultez la section « Proposer un article » sur notre site Web afin de connaître tous les détails concernant l’envoi de vos soumissions: https://inter-lelieu.org/revue-inter/proposer-un-article/
Pour toute question ou pour soumettre un texte: redaction [arobas] inter-lelieu [point] org
Format des textes | 3500 mots au maximum
Format des images | 300 dpi, format JPEG ou TIFF, minimum 46 x 30 cm
Responsable de dossier | Serge Olivier Fokoua
Date limite | 1er juin 2020
Date de parution | automne 2020
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Résidence de recherche au centre de documentation de LA CHAMBRE BLANCHE
Date limite: 27 mai 2020
LA CHAMBRE BLANCHE est un centre d’artistes voué à l’expérimentation des pratiques en arts numériques et en arts visuels. Suite à sa fondation en 1978, le collectif a créé un centre de documentation offrant aux artistes, aux étudiant·e·s et aux amatrices et aux amateurs d’art une collection substantielle d’ouvrages disponibles en consultation sur place et pour l’emprunt.
Le centre de documentation de LA CHAMBRE BLANCHE compte plus de 5000 documents – monographies, catalogues d’expositions, périodiques, dossiers d’artistes, essais, vidéos, cédéroms – reflétant principalement les intérêts du collectif, soit l’installation, les pratiques in situ et la résidence d’artistes. Il est la mémoire du collectif, mais aussi la mémoire de tous les centres d’artistes avec lesquels LA CHAMBRE BLANCHE entretient des liens, sans oublier les musées et autres institutions qui se consacrent à la diffusion des arts actuels. (centrededoc.chambreblanche.qc.ca)
Le centre de documentation est alimenté par un vaste réseau d’échanges avec des éditeurs d’ici et de l’étranger. Aussi, grâce aux abonnements à plusieurs périodiques, le centre de documentation assure une information à jour aux usagers.
LA CHAMBRE BLANCHE souhaite stimuler l’intérêt pour l’analyse et la réflexion des arts actuels, en offrant une résidence de recherche au centre de documentation. Nous invitons les artistes, auteur·e·s et commissaires québécois·e·s à soumettre leurs propositions pour une résidence de recherche au centre de documentation de six à huit semaines, pour la programmation 2020-2021
Le centre offre :
• Une résidence de recherche au centre de documentation de six à huit semaines
• L’hébergement à LA CHAMBRE BLANCHE
• Des honoraires de résidence de 1000 $
• Une aide à la recherche
• Les frais de transport
La proposition doit comprendre :
• une proposition de projet de recherche
• un curriculum vitæ à jour
• un court texte décrivant la démarche de l’artiste ou de l’auteur·e
Faire parvenir votre proposition par courrier électronique à LA CHAMBRE BLANCHE au plus tard le 27 mai 2020 à l’adresse suivante: recherche [arobas] chambreblanche [point] qc [point] ca
Seuls les dossiers numériques seront acceptés.
Tous dossiers de plus de 12 Mo seront rejetés.
LA CHAMBRE BLANCHE
185, rue Christophe-Colomb Est,
Québec (Québec) G1K 3S6
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revue esse art+opinion
APPEL DE TEXTES – SOUMISSIONS
Les textes proposés peuvent être envoyés en format lettre US (.doc, .docx ou .rtf) à redaction [arobas] esse [point] ca avant le 1 septembre 2020 (dossier Nouveaux matérialismes). Veuillez inclure, à même le texte, une courte notice biographique (35-45 mots), un résumé du texte (80-100 mots), ainsi que votre adresse courriel et postale. Les personnes qui aimeraient d’abord soumettre un résumé d’intention (250 mots) sont invitées à le faire au moins 3 mois avant la date de tombée. Les propositions non afférentes aux dossiers (critiques, essais et analyses sur différents sujets en art actuel) sont aussi les bienvenues (prière de référer au point 2 de la politique éditoriale ci-dessous). Un accusé de réception sera envoyé dans les 7 jours suivant la date de tombée. Si vous ne l’avez pas reçu, nous vous invitons à communiquer avec nous pour vérifier la réception de votre texte.
No 101 : Dossier Nouveaux matérialismes
Avant le 1er septembre 2020
S’il est aujourd’hui courant d’interroger l’hégémonie du visible et de remettre en question l’idée de la représentation comme condition préalable fondamentale de l’art, l’orthodoxie constructiviste portée par le poststructuralisme persiste à favoriser une approche discursive des pratiques artistiques au détriment de la matière et de son agentivité. Bien que le courant philosophique du réalisme spéculatif – aussi désigné sous le label ontologie orientée objet (OOO) – ait été un levier euristique incontournable pour réfléchir la relation de l’humain au monde des objets, cette notion est demeurée liée au langage, aux discours et à la culture, perpétuant l’idée d’une expérience de la matière purement représentationnelle. Comme le souligne à propos les historiennes de l’art et féministes Estelle Barrett et Barbara Bolt en introduction de Carnal Knowledge. Towards a “New Materialism” Through the Arts, cette lacune concourt encore aujourd’hui à reconduire une rhétorique des binarismes opposant matérialité et signification, nature et culture, objet et sujet. Depuis le tournant du XXIème siècle toutefois, des voix issues de disciplines multiples – et aussi « éloignées » que la physique quantique, les féminismes, l’écologie et les arts – s’élèvent et s’unissent pour plaider en faveur d’un renouveau des perspectives matérialistes pour réintégrer la matière dans le débat philosophique et dépasser, enfin, une interprétation polarisée et duelle du monde.
Ce qu’il est désormais convenu de rassembler sous l’appellation des « Nouveaux matérialismes » (de l’anglais New Materialisms) décrit un ensemble de postures à la fois théoriques et pragmatiques inscrites en réaction face au logocentrisme de la postmodernité. Ces postures vont critiquer vivement la tendance postmoderne à ne prendre en compte que la logique du langage comme modèle de référence et de signification du réel. Sans retourner à ce que Bruno Latour nomme le Grand Partage, c’est-à-dire une recherche ontologique objective typiquement moderne opposée au langage, les Nouveaux matérialismes s’attèlent plutôt à mettre sur pied une démarche éthico-onto-épistémologique (Barad: 1998) à même de pointer l’inséparabilité du monde matériel et discursif.
Véritable cristallisation de ces nombreux enjeux, l’art occupe une position enviable dans le débat, mettant simultanément la matière au profit du sens et la signification au service de la forme. Conscients de cette complémentarité co-constitutive et inhérente aux pratiques artistiques, nombre d’artistes, d’institutions muséales et d’évènements artistiques mettent aujourd’hui de l’avant l’évidence du « fait matériel » de l’art, proposant des réflexions autour de la notion d’objet ou de choséité, d’une expérience axée sur la polysensorialité et la matérialité des œuvres ou encore, tendent à mettre en lumière l’autonomie et la performativité de la matière à travers ses propres processus de transformation. Ces nouvelles sensibilités initient une esthétique matérialiste qui déplace l’expérience de l’objet d’art (et de sa technique) avec l’humain en une relation horizontale où sens et matière s’informent.
Portée par l’actualité de ces réflexions et de leurs implications tangibles pour la refonte d’une conception des arts dits « visuels », Esse arts + opinions invite les auteur.e.s et artistes à proposer des textes qui réfléchissent à la reconfiguration de la matière à l’aune de pratiques sociales, politiques, artistiques et scientifiques qui ne sont plus enfermées dans le spectre humain, mais relèvent de la « vie » tout entière, y compris le « non-vivant ». À cet égard, les avenues de réflexion sont à l’image des nouveaux matérialismes, soit tentaculaires, hybrides et critiques. Comment ces approches de la matière modulent-elles de nouveaux regards critiques face à l’asymétrie arbitraire entre beaux-arts et artisanat ? Comment cette sensibilité matérialiste se traduit-elle réellement pour les artistes et leurs œuvres ? À l’aube de cette époque que d’aucuns nomment anthropocène, comment les nouveaux matérialismes permettent-ils de déjouer une critique anthropocentrique (ou humaniste) des objets d’art et de leur contexte de production ? Dès lors, quelles places reste-il pour la critique et l’histoire de l’art dont la matière première est le discours ?
